Manifest
Dance-film festival
28 Jul 2023 to 30 Jul 2023
https://auroapaar.org/festival/
Qu’est-ce qui s’est donc manifesté là ? Les images animées qui sont nées des images latentes et sont « éveillées à la vie » dans leur succession d’au moins 24 images par seconde, ces images de danseurs qui, en tant que genre, étaient déjà là au début de la cinématographie, ces images se sont montrées au festival de films de danse Manifest, du 28 au 30 juillet 2023, à l’Alliance Française de Pondicherry.
Pendant les 2,5 jours de festival dans la salle de l’Alliance Française, 40 courts métrages ont été montrés. Au fond, je voulais seulement passer rapidement et « soutenir » la première série de films, car je sais qu’elle est souvent peu fréquentée. Je suis resté 2,5 jours et j’ai regardé chaque film, chaque performance en direct, et assisté aux classes de maître dans la mesure où le programme le permettait. J’étais comme électrisé. Une expérience artistique aussi intense, je n’en connais au fond que dans les grandes biennales ou les festivals de médias.
Je me demandais encore et encore ce qui se manifestait ici. Différentes théories des médias me venaient à l’esprit : le Kinoeye de Dziga Vertov et la langue universelle du film, qui n’est liée à aucune langue et permet au monde de s’unir dans l’esprit d’une révolution prolétarienne. Ou la célèbre citation de Godard selon laquelle la vérité se compose de 24 images par seconde, et les théories critiques des médias qui en découlent, occupées de fictionnalité, de mensonge et de représentation. Et bien sûr Gilles Deleuze et son hommage à la théorie du cinématographe d’Henri Bergson. Deleuze retourne la critique bergsonienne du film en chant de louange, en comprenant la qualité technique, le montage du film, comme pensée active, comme pure philosophie. Mais tout cela, même la théorie de l’image animée, ne me semblait pas saisir le phénomène de ce festival de films de danse.
Un nouveau genre ?
Par leur travail, les organisateurs posaient la question de savoir si un nouveau genre se formait ici. Qu’est-ce qu’un genre ? Qu’est-ce qui se forme dans quelle manifestation ? La danse ! Une forme d’expression archaïque qui remonte jusqu’au règne animal, et en même temps l’une des plus complexes, puisqu’elle comprend tout le corps comme médium d’expression. La danse est le mouvement d’un corps dans l’espace. Le lien entre le corps, l’espace et le temps, entrelacés par le rythme, est peut-être l’une des formes d’expression les plus complexes et les plus difficiles pour un médium linéaire à 2 dimensions comme le film. La perspective imposée de la caméra, le cadre de l’image, la structure technique de l’appareil, tout cela travaille à l’encontre de la danse. Aussi les films de danse étaient-ils pour moi, au fond, toujours expérimentaux ou banals. Banals lorsqu’il s’agissait simplement de l’enregistrement d’une représentation ; expérimentaux lorsque la coupe et le montage élargissaient et contextualisaient des segments singuliers d’une expression autrement continue, et aboutissaient souvent à une séquence assez cryptique d’intervalles de mouvement que seuls les initiés pouvaient comprendre.
Peut-être vais-je commencer très concrètement par le lieu où tout cela se déroule. Une salle qui convient merveilleusement comme cinéma. Une scène devant. Le festival est à Pondicherry, une ancienne colonie française en Inde, ce sous-continent coloré aux innombrables langues et traditions. Ce sous-continent multiculturel, réuni de manière assez arbitraire par les Britanniques en 1947 dans une frontière nationale, a choisi la danse comme l’une de ses formes culturelles centrales et unificatrices. On danse beaucoup, lors des mariages et des fêtes de temples, à Bollywood et dans les fêtes de village. La danse est omniprésente dans de nombreux domaines de la société indienne. Il était d’autant plus étonnant de voir qu’aucune grande production indienne n’était représentée au programme du festival. La danse était en direct sur la scène. Cela dit beaucoup, mais j’y reviendrai.
Rasa
La racine de l’esthétique indienne réside dans la notion de Rasa, souvent traduite par goût, mais moins au sens d’un goût artistique que, très concrètement, au sens des sens gustatifs. L’activation des sens intérieurs qui donne une sorte de qualité aux impressions sensorielles. Les sens dirigés vers l’extérieur voient, touchent ou entendent QUELQUE CHOSE, se dirigent vers QUELQUE CHOSE. Le goût sucré ou acide est plutôt une propriété : QUELQUE CHOSE a un goût sucré ou acide, il a la propriété d’être sucré ou acide. À ces propriétés correspond une expérience sensorielle intérieure. Celle-ci peut être transmise par la force expressive du théâtre, de la poésie, de la musique et de la danse. Dans le Natya shastra il y a les quatre principes fondamentaux amour/érotisme (Śṛngāram), héroïsme (Vīram), colère (Raudram) et dégoût (Bībhatsam). Quelqu’un aime, est un héros, est en colère ou dégoûté. L’ensemble devient aussi complexe que l’on veut ; les propriétés émotionnelles se différencient, des couleurs et des costumes leur sont associés, des dieux correspondent à leurs forces, et tout culmine dans la danse.
Ce qui m’importe seulement ici est de retenir qu’au cœur de cette esthétique, qui reste jusqu’à aujourd’hui le fondement de la danse traditionnelle en Inde, se trouve l’état émotionnel intérieur. Cet état émotionnel est incarné et se manifeste par les interprètes, et suscite chez le spectateur le même sentiment. C’est la base de la théorie esthétique en Inde.
Elle s’oppose à la tradition des esthétiques européennes depuis Platon, avec leur attention portée à la représentation. Cette conception rétinienne de l’art, donc l’idée que l’art se joue dans l’œil, a produit la perspective centrale, l’appareil photographique et le cinématographe.
Images animées
Que se passe-t-il donc lorsque l’œil de la caméra se dirige vers les danseurs ? Comment l’expression d’un danseur se transmet-elle à l’écran ? Quelles nouvelles formes de narration s’ouvrent par la coupe et le montage ? Dans son essai « L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique » de 1935, Walter Benjamin ne considérait nullement comme seulement négative la perte de l’aura par les nouveaux médias, comme la radio et le film. La coupe et le montage libéraient les artistes « interprètes » des contraintes d’un espace théâtral et permettaient de visualiser ce qui, autrement, ne pouvait être évoqué que dans l’imagination. Ce point de départ historique me semble prometteur pour la question d’un nouveau genre du film de danse. Le théâtre s’est, en un sens, libéré par le film ; aux États-Unis, par exemple, il a été presque entièrement remplacé par les cinémas. De manière significative, les théâtres de Broadway, donc les comédies musicales qui conservent la danse comme l’un de leurs principes centraux, ont échappé à cette tendance. Ils restent populaires aujourd’hui. L’expérience du théâtre dansé comme expérience en direct tient une place importante dans presque toutes les cultures qui possèdent une culture de la scène. Même les clips de MTV n’ont pas pu y changer grand-chose.
Ce qui est devenu visible à Manifest n’est pas un phénomène nouveau. Mais Manifest concentrait délibérément son attention sur la fusion de l’art cinématographique et du théâtre. La décision de n’accepter que des films qui poussent délibérément à ses limites la force d’expression artistique du médium film était stratégiquement juste. Quelque chose a ainsi été concentré et rendu visible. Peut-être un nouveau genre. C’est autre chose que « Singing int the Rain » ou le documentaire « Pina Bausch » de Wim Wenders ; ce ne sont pas non plus les clips MTV de Michel Jackson, ni « Dilwale Dulhania Le Jayenge » de Bollywood. On pourrait dire que les 40 films sélectionnés pour le festival étaient des courts métrages qui avaient choisi la danse comme langue. Une langue internationale sans mot, comme l’exigeait Dziga Vertov, et une langue qui met en contraste le cœur des images animées, à savoir la langue du mouvement. Tandis que Bergson et Godard accusent le cinématographe de mensonge et que Deleuze identifie la vérité uniquement dans la forme matérialisée de la pensée dans le film, le film de danse tente l’impossible, la quadrature du cercle : concentrer le film sur le mouvement comme langue dans l’espace à 3 dimensions. Cette focalisation restrictive équivaut à un manifeste, comme en ont produit les nombreux courants artistiques de l’avant-garde.
Espace et écran
Les expériences de films hybrides de l’Incubator Lab étaient passionnantes. Des chorégraphies de danse étaient réalisées en film et jouées sur scène. Il s’agissait surtout de sentir la différence en tant que public. Qu’est-ce qui est identique, et qu’est-ce qui est différent ? Qu’est-ce qui fonctionne, et qu’est-ce qui ne fonctionne pas ? Les productions étaient de petites expériences qui invitaient à la réflexion.
Le catalogue du festival est accessible ici : https://auroapaar.org/wp-content/uploads/2023/07/MANIFEST-2023-CATALOG.pdf
Il vaut la peine d’y jeter un coup d’œil ; j’ai beaucoup aimé les films aux pages suivantes : 9, 10, 12, 14, 15, 16, 19, 25, 26, 29, 30, 32, 34, 35, 37, 41, 42, 56
