Why do we need a biennial ? Je me suis souvent posé cette question. Je me suis rendue dans de nombreux endroits pour des événements culturels internationaux majeurs, c'est-à-dire avant COVID-19, ce qui était le cas. Pendant Lockdown, j'ai co-organisé un programme d'artistes en résidence pour réfléchir aux implications, aux menaces et aux opportunités de COVID-19 pour les praticiens de la culture. Tout s'est avéré bien différent de ce que nous avions espéré, le grand bouleversement n'a pas pu se concrétiser, et à une époque marquée par les crises, beaucoup tentent simplement de revenir au statu quo. Avons-nous vraiment utilisé les milliards d'euros et de dollars de manière aussi irréfléchie et sans réflexion, uniquement pour maintenir un système qui a un besoin urgent de changement ?
Le concept de biennales ou d'événements culturels majeurs était déjà discrédité avant COVID-19. Ils sont dominés par le marché de l'art et les poses d'influenceurs. Une communauté internationale chic et hipster, de vieux intellectuels hardliners, des têtes pensantes et des do-gooders naïfs s'y sont rencontrés pour applaudir une autopromotion sans pouvoir des artistes-commissaires et des gallerist-egos. Beaucoup d'entre eux veulent sérieusement montrer que le monde devrait être meilleur, mais avec quel exemple vont-ils aller de l'avant ?
Biennale de Kochi-Muziris
J'ai assisté à la Biennale de Kochi pour la première fois en 2016, et je pensais déjà que quelque chose de différent était en train de se produire ici, avec le cœur à la bonne place et une vision qui visait à faire une différence concrète et réelle. Il y avait des camps d'art pour enfants, des événements publics où tout le monde pouvait venir, des écoliers et leurs mères venaient des villages du Kerala, des baraques désaffectées, des entrepôts, des docks étaient ouverts pour que des étudiants en art de toutes les régions de l'Inde puissent y exposer, des artistes internationaux étaient invités à voir les lieux avant de concevoir leurs installations secondaires spécifiques. Il y avait un grand nombre d'éducateurs artistiques, de nombreux projets étaient axés sur l'écologie, l'impact social, la critique de la classe dirigeante. Les petits enfants, qui profitent de leurs vacances scolaires pour regarder l'art, demandent en riant aux étrangers dans la rue d'où ils viennent, seulement pour leur demander encore plus joyeusement, avec une grande fierté et un charme enchanteur, s'ils aiment le Kerala.
Fort Kochi est un melting-pot de l'Inde, où les influences spirituelles, coloniales, indigènes, nationales, politiques et culturelles ont convergé depuis des siècles. Kochi est un joyau architectural recouvert de graffitis de Che Guevara et d'affiches électorales communistes. Des chèvres et des vaches se promènent parmi les rickshaws, et tout sent bon le jardin d'épices du Kerala. Du poisson frais est vendu sur la plage, tandis que des porte-conteneurs et des navires de reconnaissance militaire passent en arrière-plan. C'est une ville vibrante.
La cinquième édition 2022/23
La Biennale 2022 a débuté dans le chaos organisationnel. Ce n'est pas vraiment surprenant en Inde, mais cela montre les défis que Covid a laissés derrière lui. De nombreux bâtiments sont restés vides pendant quatre ans ou ont simplement été utilisés pour le stockage, ce qui a encore réduit l'infrastructure technologique déjà fragile du bâtiment. Une lettre incendiaire sur e-flux de la part d'artistes participants atteste de la frustration. Organiser un grand événement international en Inde n'est peut-être pas une tâche facile en soi, mais le faire après deux ans de pandémie est en réalité impossible. Il est d'autant plus surprenant qu'après deux semaines de retards catastrophiquement communiqués, le miracle de la Biennale de Kochi ait eu lieu à nouveau. Certaines choses sont encore en construction, même trois semaines après l'ouverture partielle officielle. Mais la plupart d'entre eux sont installés professionnellement dans des entrepôts et des baraquements. La puissance de nombreuses œuvres d'art brille à travers le chaos.
Certaines grandes installations vidéo, comme l'œuvre commandée par CAMP "Bombay Tilts Down (2021-2022)" de Mumbai à Aspinwall ou "Such a Morning (2017-19)" d'Amar Kanwar de Delhi à Anand Warehouse, ont un pouvoir de transformation. CAMP utilise des images de surveillance CCTV et les mélange avec des chants percussifs sur la solidarité, l'oppression et l'espoir dans les quartiers les plus pauvres de Mumbai.
En revanche, l'œuvre de Kanwar est poétiquement silencieuse, un voyage dans l'obscurité. Un professeur de mathématiques, peut-être aveugle, se prépare à l'obscurité. Quelle tâche pour un artiste visuel - une préparation pour une vie sans vue ! Il ne s'agit pas seulement des questions existentielles de la survie, mais aussi des limites de l'art, jusqu'où l'art peut-il aller au-delà de la perception ? L'installation vidéo est prolongée par une installation de mini-projecteurs, dans lesquels des éléments du film sont sélectionnés et capturés dans des décors. Aligné les uns à côté des autres, le film devient ainsi une coprésence linéaire qui permet au visiteur de se promener entre les images. Le visiteur est dans un lieu de réverbération, de mémoire, les images du film sont effacées, transformées, surréalistes.
Une tendance générale s'intensifie également dans ce domaine. De plus en plus d'artistes utilisent le médium du film. Les projections et les écrans sont omniprésents. L'installation de Jitish Kallat "Covering Letter" (2012) est magiquement troublante, l'œuvre a été vue de nombreuses fois auparavant, mais au sud de l'Inde, elle déploie une puissance totalement différente. Ghandi a envoyé une lettre à Hitler le 23 juillet 1939, adressée à 'Cher ami'. Ghandi soulignait qu'Hitler était la seule personne capable d'empêcher la brutalité de cette guerre. La lettre est projetée en continu par Jitish Kallat sur un nuage de brume. Une touche d'histoire est perceptible.
Comme nous traitons des médias temporels, il est impossible de faire face à tout cela, et il y a donc une concurrence entre les écrans et les tailles de projection. Il y a beaucoup d'œuvres sur les conflits politiques, ethniques et sociaux à voir. Chaque histoire vaut la peine d'être racontée ici. Mais le support narratif atteint ici ses limites. Le visiteur a besoin de temps, mais il est récompensé par une multitude de perspectives du point de vue de l'opprimé. A l'ère des écrans de poche portables, il est approprié de s'appuyer sur ce média car nos habitudes de visionnage changent, l'image et le texte statiques sans mise en scène dramaturgique sont perdus dans la bataille de l'attention.
Il est agréable de voir que le curateur fait preuve d'une grande diversité dans l'accrochage. Les grandes salles avec des zones d'images entièrement dépourvues de panneaux de texte sont bénéfiques - celles-ci sont accrochées dans le hall de l'aile administrative d'Aspinwall. La biennale donne de l'espace aux œuvres, les murs ne semblent jamais encombrés. Cela invite à la détente.
L'art pour l'esprit
Yohei Imamura "tsurugi" (2022) est un sommet de maîtrise technique. Pendant deux ans, Imamura a utilisé une technique d'écran de soie pour créer un modèle 3D d'une montagne par superposition. Une vidéo explique le processus. Les couches réfléchissantes sont presque aussi variées que les plus de 1000 couches de peinture qui créent le modèle 3D de la montagne. Cela commence par les cartes topographiques, qui sont elles-mêmes une couche d'abstraction de la réalité. Je pense au simulacre de Baudriallard, aux concepts postmodernes de cartographie. Imamura trace chaque plan d'élévation afin de le transférer individuellement sur un plan en silhouette. Ce traçage méditatif est aussi une préparation à l'escalade en montagne ; la connaissance du terrain est essentielle à la survie.
En reproduisant les montagnes en 3D par superposition, nous nous souvenons des processus géologiques. Il serait intéressant de savoir quelles sont les stratifications géologiques de la montagne elle-même, y a-t-il une corrélation ? Probablement pas. L'ensemble pourrait être créé sur une imprimante 3D, mais ici les principes de conception interne seraient radicalement différents, algorithmiques, basés sur des vecteurs, scannés par la technologie. La critique d'une grande variété de médias techniques est ici clairement implicite. Et c'est ainsi que nous nous trouvons confrontés à un objet qui combine différents niveaux de représentation et d'abstraction, créé par une forme innovante d'impression d'écran de maître. La reproduction technique, l'imagination, la construction, l'interpénétration de l'espace et du plan, de la créativité et de la précision se rencontrent ici.
Une augmentation radicale du conceptuel peut être trouvée dans les œuvres d'Iman Issa "Lexicon (2012-19)" interroge la relation entre le langage, l'image et l'imagination. Le point de départ est constitué par des descriptions historiques et artistiques d'images qui ne sont pas montrées. Au contraire, à partir de ces descriptions textuelles, Issa isole des éléments formels qui peuvent être vus comme des sculptures à côté des descriptions. C'est un jeu intellectuel qui semble un peu hors de propos. Toutefois, ce type de discours textuel, occidental, critique, peut-être basé sur le postcolonialisme, ne résonne pas vraiment.
Biennale des peuples
Cette Biennale of the people a un accent différent : politique, participatif, invitant. Cela devient très clair et évident dans les œuvres de Marcos Avila-Ferero "Theory of the wild gees, notes on the workers gestures (2019)". Avila-Ferero a demandé à des travailleurs japonais à la retraite de répéter leurs mouvements des processus de travail dans leur vie professionnelle. Nous voyons des travailleurs se déplacer dans des chaînes humaines. Tout cela semble si absurde et insensible, si exposé et inhumain, que toute l'exploitation du travail devient immédiatement tangible. Le traçage technique des séquences de mouvements physiques illustre comment la rationalisation du travail utilise le corps humain comme un outil. Nous voyons comment, après des décennies de routine, le corps s'adapte et se déforme aux processus de travail. Pendant toute la durée de l'exposition, des danseurs seront invités à réagir à ces processus de travail. C'est passionnant à imaginer.
Selon la déclaration du curateur, "même le plus solitaire des voyages n'est pas celui de l'isolement, mais se nourrit profondément de cette source commune de connaissances et d'idées collectives". Cela n'est nulle part plus évident que dans les œuvres de la Biennale étudiante. Vous pouvez ressentir la verve des jeunes artistes, la poésie qui se déploie dans les entrepôts de l'époque coloniale. Les œuvres des jeunes artistes "s'abreuvent à cette source commune de connaissances et d'idées collectives," - elles prennent un grand bain.
Cette fois encore, ce n'est pas inhabituel, en fait pas si remarquable, car les étudiants en art du monde entier le font. Excepté à Kochi, ils sont représentés à la Biennale, ils sont visibles pour un public international, ils sont entendus, leur voix est amplifiée et résonne en chœur, ils ne sont pas seuls, ils représentent toute une génération, la génération à laquelle appartient l'avenir et qui est prise loin d'eux par l'égoïsme des idéaux des vieux hommes blancs.
L'œuvre de Nilofar Shaikh de VNSGU "Healing Map, Bench" est un tel exemple. Un banc, avec des murs en arrière-plan, invite le spectateur à se confronter à la question des violations et à entrer en dialogue avec l'environnement.
Dheeraj Jadhav partage sa façon de voir avec son installation "Planting Conversation", qui est forte et saisissante.
Nabam Hem, Taba Yaniya et Ejum Riba nous invitent dans le monde du clan Tani avec leur grande installation "Tani Nyia Nyji Muj". Elle est émouvante et pleine de réflexion.
Le projet d'art communautaire Bhumi a travaillé dans l'isolement avec une communauté au Bangladesh. Les matériaux et les traditions locales donnent lieu à une série de figures qui illustrent le cœur de cette biennale. On peut le voir sur les côtés de la biennale à l'entrepôt TKM.
J'essaie toujours de passer quelques jours à une biennale, je trouve qu'il est important d'interagir avec l'environnement. À Kochi, je bois mon chai sur la promenade et je ris de bon cœur avec les gens du Kerala, même si nous n'avons pas de langue commune. Le sud de l'Inde est incroyablement accueillant, chaleureux, porté par une spiritualité qui perçoit la vie dans chaque contrepartie. Ces rencontres sont la véritable énergie de la Biennale de Kochi, sans elles, rien de tout cela ne serait possible ici. Et je commence à comprendre ce que cela signifie de vivre vraiment différemment. C'est la nature et la culture, les gens et la spiritualité, l'harmonie du monde que l'on peut entendre ici. C'est une conception radicalement opposée à la saturation des sociétés affluentes. Dans la déclaration du curateur, nous trouvons : "Le besoin humain de penser librement sans proscription, en dépit de, et parfois à cause de la répression, tout cela pointe vers la façon dont on réagit au conflit. Le seul ennemi est l'apathie. Celle-ci n'a ni nom ni visage, et elle est entortillée dans son bedfellow-self-censorship".
C'est la biennale du peuple.
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