Manifest
Festival du film de danse
28 juil. 2023 au 30 juillet 2023
https://auroapaar.org/festival/
Qu'est-ce qui s'est manifesté ? Ces images en mouvement, nées d'images latentes et 'animées' dans leur succession d'au moins 24 images par seconde, ces images de danseurs qui, par leur genre, étaient déjà à l'origine de la cinématographie, ces images se sont révélées lors du Dance-Film Festival Manifest du 28 au 30 juillet 2023 à l'Alliance française de Pondichéry.
Pendant les 2,5 jours du festival dans la salle de l'Alliance Française, 40 courts métrages ont été projetés. En fait, je voulais juste faire un saut et 'soutenir' le premier ensemble de films, car je sais qu'ils sont souvent peu fréquentés. Je suis restée deux jours et demi et j'ai regardé chaque film, chaque performance en direct et, dans la mesure où le programme le permettait, j'ai assisté aux masterclasses. J'étais comme électrisée. Je ne connais une expérience artistique aussi intense que dans les grandes biennales ou les festivals des médias.
Je me suis toujours demandé ce qui se manifestait ici. Différentes théories sur les médias me sont venues à l'esprit : le Kinoeye de Dziga Vertov et le langage universel du film, qui n'est lié à aucune langue et qui permet au monde de s'unir dans le sens d'une révolution prolétarienne. Ou encore la célèbre citation de Godard selon laquelle la vérité se compose de 24 images par seconde, et les théories critiques des médias qui en découlent et qui traitent de la fictionnalité, des mensonges et de la représentation. Et bien sûr Gilles Deleuze et son hommage à la théorie du cinématographe d'Henri Bergson. Deleuze retourne la critique de Bergson du cinéma dans un éloge, en considérant la qualité technique, le montage du film comme une pensée active, une philosophie pure. Mais tout cela, même la théorie de l'image en mouvement, ne m'a pas semblé pouvoir saisir le phénomène de ce festival de films de danse.
Un nouveau genre ?
Par leur travail, les organisateurs ont posé la question de savoir si un nouveau genre était en train de se former. Qu'est-ce qu'un genre ? Qu'est-ce qui se forme et dans quelle manifestation ? La danse ! Une forme d'expression archaïque, qui remonte au règne animal, et en même temps l'une des plus complexes, car elle considère le corps entier comme un moyen d'expression. La danse est un mouvement d'un corps dans l'espace. Le lien entre le corps, l'espace et le temps, tissé par le rythme, est peut-être l'une des formes d'expression les plus complexes et les plus exigeantes pour un média linéaire en deux dimensions comme le film. La perspective prédéfinie de la caméra, le cadre de l'image, la structure technique de l'appareil, tout cela va à l'encontre de la danse. C'est pourquoi, pour moi, les films de danse ont toujours été expérimentaux ou banals. Banal lorsqu'il s'agissait simplement de l'enregistrement d'une représentation, expérimental lorsque, par le biais de la coupe et du montage, des segments isolés d'une expression par ailleurs continue sont élargis et contextualisés et se terminent souvent par une séquence assez cryptique d'intervalles de mouvements qui n'est compréhensible que pour les initiés.
Je vais peut-être commencer de manière très concrète, par le lieu où tout cela se déroule. Une salle de spectacle qui se prête merveilleusement bien au cinéma. Une scène devant. Le festival se déroule à Pondichéry, une ancienne colonie française en Inde, ce sous-continent coloré aux innombrables langues et traditions. Ce sous-continent multiculturel, unifié de manière assez arbitraire par les Britanniques en 1947 par une frontière nationale, a choisi la danse comme l'une de ses formes culturelles centrales et unificatrices. On danse beaucoup, dans les mariages et les fêtes de temple, à Bollywood et dans les fêtes de village. En Inde, la danse est omniprésente dans de nombreux domaines de la société. Il était donc d'autant plus étonnant de constater que le programme du festival ne comportait aucune production indienne majeure. La danse était en direct sur scène. Cela en dit long, mais nous y reviendrons plus tard.
Rasa
La racine de l'esthétique indienne se trouve dans le concept de rasa, souvent traduit par goût, mais moins dans le sens d'un goût artistique que très concrètement dans le sens des sens gustatifs. Il s'agit de l'activation des sens internes, qui donne une sorte de qualité aux impressions sensorielles. Les sens tournés vers l'extérieur voient, touchent ou entendent QUELQUE CHOSE, se dirigent vers QUELQUE CHOSE. Le goût du sucré ou de l'acide est plutôt une qualité ETWAS goûte doux ou acide, il a la Propriété d'être sucré ou acide. Ces caractéristiques correspondent à une expérience sensorielle intérieure. Celle-ci peut être transmise par la force d'expression du théâtre, de la poésie, de la musique et de la danse. Dans le site Natya shastra il y a les quatre principes fondamentaux amour/érotisme (Śṛngāram), héroïsme (Vīram), colère (Raudram) et dégoût (Bībhatsam). Quelqu'un aime, est un héros, est en colère ou dégoûté. L'ensemble devient aussi complexe que l'on veut, les caractéristiques émotionnelles se différencient, on leur attribue des couleurs et des costumes et des dieux correspondent à leurs pouvoirs, et culmine dans la danse.
Ce qui m'importe ici, c'est qu'au cœur de cette esthétique, qui est encore aujourd'hui la base de la danse traditionnelle en Inde, se trouve l'état émotionnel intérieur. Cet état émotionnel est incarné et se manifeste à travers les interprètes et évoque le même sentiment chez le spectateur. C'est la base de la théorie esthétique en Inde.
Elle s'oppose à la tradition des esthétiques européennes depuis Platon, avec son accent sur la représentation. Cette rétinienne L'idée que l'art se déroule dans l'œil a donné naissance à la perspective centrale, à l'appareil photo et au cinématographe.
Images animées
Que se passe-t-il donc lorsque l'œil de la caméra se pose sur les danseurs ? Comment l'expression d'un danseur se transmet-elle à l'écran ? Quelles nouvelles formes de narration apparaissent grâce au découpage et au montage ? Dans son essai "L'œuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique" de 1935, Walter Benjamin ne voyait pas la perte d'aura due aux nouveaux médias comme la radio et le cinéma d'un œil uniquement négatif. La coupe et le montage libéraient les artistes 'représentatifs' des contraintes d'un espace théâtral, et permettaient de visualiser ce qui ne pouvait autrement être évoqué que par l'imagination. Ce point de départ historique me semble prometteur pour la question d'un nouveau genre de film de danse. Le théâtre s'est en quelque sorte libéré grâce au cinéma, il a par exemple été presque entièrement remplacé par les cinémas aux États-Unis. Il est significatif que les théâtres de Broadway, les comédies musicales donc, qui conservent la danse comme l'un de leurs principes centraux, aient échappé à cette tendance. Ils sont restés populaires jusqu'à aujourd'hui. L'expérience de la danse-théâtre en tant qu'expérience en direct a une grande valeur dans presque toutes les cultures qui possèdent une culture de la scène. Même les clips musicaux de MTV n'ont pas pu changer grand-chose à cette situation.
Ce qui est apparu sur Manifest n'est pas un phénomène nouveau. Mais Manifest s'est délibérément concentré sur la fusion de l'art cinématographique et du théâtre. D'un point de vue stratégique, la décision de n'autoriser que les films qui exploitent délibérément le médium cinématographique dans sa force d'expression artistique était judicieuse. Ainsi, quelque chose s'est concentré et est devenu visible. Peut-être dans un nouveau genre. C'est autre chose que "Singing int the Rain" ou le documentaire de Wim Wenders "Pina Bausch", ce ne sont pas non plus les vidéos MTV de Michel Jackson, ni "Dilwale Dulhania Le Jayenge" de Bollywood. On pourrait dire que les 40 films sélectionnés lors du festival étaient des courts métrages qui avaient choisi la danse comme langage. Une langue internationale sans parole, comme le demandait Dziga Vertov, et une langue qui contraste avec le noyau des images en mouvement, à savoir la langue du mouvement. Alors que Bergson et Godard accusent le cinéaste de mensonge et que Deleuze identifie la vérité purement dans la forme matérialisée de la pensée dans le film, le film de danse tente l'impossible, la quadrature du cercle : la concentration du film sur le mouvement comme langage dans un espace tridimensionnel. Cette focalisation restrictive s'apparente à un manifeste, à l'image des nombreux courants artistiques d'avant-garde qui ont vu le jour.
Espace et toile
Les expériences des films hybrides de l'Incubator Lab étaient passionnantes. Des chorégraphies de danse ont été réalisées dans le film et présentées sur scène. Il s'agissait avant tout de ressentir la différence en tant que public. Qu'est-ce qui est identique et qu'est-ce qui est différent ? Qu'est-ce qui fonctionne et qu'est-ce qui ne fonctionne pas ? Les productions étaient de petites expériences qui invitaient à la réflexion.
Le catalogue des festivals peut être consulté ici : https://auroapaar.org/wp-content/uploads/2023/07/MANIFEST-2023-CATALOG.pdf
Cela vaut la peine de jeter un coup d'œil ici, j'ai beaucoup aimé les films des pages suivantes : 9, 10, 12, 14, 15, 16, 19, 25, 26, 29, 30, 32, 34, 35, 37, 41, 42, 56
